Fotografía Digital

fotografía Digital

El manejo de la nitidez tuvo un giro inesperado con la aparición de la fotografía digital y los sistemas de impresión de alta calidad.

Hay un hecho muy importante que reside en la naturaleza propia de la generación de la imagen digital. A la salida de la cámara digital las imágenes tienen baja resolución y bajo contraste.

Veamos por qué. Cuando las gradaciones continuas provenientes de la realidad son captadas por los sensores CCD o CMOS de las cámaras, los detalles más finos que la frecuencia de muestreo del sensor son promediados automáticamente entre los píxeles vecinos, dando por resultado una aspecto de bajo contraste y baja nitidez. Además, ciertos procesos de impresión como el Offset introducen al tramar las imágenes para impresión una suavidad adicional. La impresión en chorro de tinta también tiende a suavizar la imagen. De modo que una imagen que en el monitor aparece muy definida, puede darnos resultados pobres en nitidez si empleamos alguno de estos sistemas de impresión.

Este hecho es tenido en cuenta por los fabricantes de cámaras, que introducen en el procesador interno de las cámaras programas para aumentar la resolución. En una gran mayoría de las cámaras estos programas funcionan de modo automático en tanto que en otras la resolución (Sharpening en inglés) puede regularse desde el menú de la cámara.

Si trabajamos con el formato RAW, los archivos vienen sin ningún sharpening desde la cámara, de modo que el aspecto será bastante “blando” y tendremos que aumentar manualmente la resolución en Photoshop.

La herramienta de Photoshop para controlar la nitidez es el filtro Unsharp Mask / Máscara de Enfoque.

En esta primera foto vemos un archivo tal como sale de la cámara, en la segunda foto vemos el mismo archivo después de aplicar el filtro Unsharp Mask/Máscara de Enfoque

filtro copia la mecánica de las máscaras de enfoque que se confeccionaban con un contratipo positivo desenfocado para aumentar la nitidez de un negativo Blanco y Negro con poca resolución, una técnica compleja para salvar fotos aplicada en los años 50 y 60 y que aparecía descrita en algunos viejos libros de las editoriales Focal Press (Inglaterra) y su correspondiente traducción al español de editorial Omega (España)

Básicamente, Unsharp Mask / Máscara de Enfoque trabaja evaluando el contraste entre píxeles adyacentes, e incrementando su contraste cuando este es relativamente alto. Una diferencia de contraste de este tipo generalmente representa un borde, por ejemplo el de un objeto contra el fondo. En definitiva, el filtro creará un borde claro sobre un objeto oscuro y un borde oscuro sobre el fondo claro, como podemos ver en la Foto 3.

¿Por qué este doble borde genera una sensación ilusoria de mayor nitidez? En parte se debe a que introduce una situación de micro-contraste en los bordes, y el ojo tiende a percibir esto como nitidez.

Amount/Cantidad: Indica cuanto aumentaremos el contraste en los bordes o límites de la imagen. Valores para imágenes de alta resolución (Por ejemplo 20 x 30 cm 300 DPI): 150% a 200 %

Radius/Radio: Es la cantidad de píxeles afectados al efecto de doble borde que rodean la línea del borde original. Empiece a probar con valores entre 1 y 2 para imágenes de alta resolución

Threshold/Umbral: Expresa el nivel de diferencia entre píxeles adyacentes para que el filtro sea aplicado o no. Si colocamos un valor muy bajo, el filtro actuará sobre toda la imagen, generando ruido en las zonas lisas o con poco contraste. Un valor más alto hará que el filtro se aplique solo en las zonas de transiciones más fuertes. Valores para empezar a probar: Entre 2 y 15, depende el tipo de motivo, también para alta resolución.

La visualización del archivo debe hacerse con un zoom de 100 %, es decir, que a cada pixel de monitor corresponderá un pixel del archivo. Aumentos mayores harán que el efecto se vea exagerado, y aumentos menores harán que no se perciba bien el efecto.

Para imágenes destinadas a impresión el Minilab Digital sobre papel fotográfico (Kodak LED, Fuji Frontier o Durst Lambda) o para visualización en Internet, aplique el filtro hasta que se vea un resultado correcto en pantalla. Para impresiones en sistema Offset , o en chorro de tinta, aplique el filtro hasta que se vea un poco exagerado en pantalla. La experiencia nos ayudará a encontrar el punto justo.

Aplique el filtro sobre el archivo a la medida final de la impresión, y recuerde hacer diferentes pruebas sobre papel encontrar los ajustes que después aplicará al resto de sus fotos.

Historia de la Fotografía digital

La historia de la fotografía digital enmarca el desarrollo desde los primeros estudios sobre la electricidad y la electrónica más específicamente la creación de retenedores de energía, la invención del primer sensor (ccd), el lanzamiento oficial de la primera cámara digital en 1975 bajo la empresa Kodak y la evolución de las nuevas cámaras cuya película análoga fue reemplazada por los sensores hasta nuestros días.

Sin embargo hay quienes consideran que el nacimiento de la fotografía digital se dio en 1975 con la primera cámara digital, no podemos pasar por alto los acontecimientos anteriores que hicieron posible dicha invención.

1. En primer lugar y quizás la base de la fotografía digital, tenemos la preocupación de los científicos de la época sobre cómo aprovechar al máximo la energía, que posibilidad hay de acumularla en un espacio o algo determinado y así mismo transportarla y es  aquí donde aparece el Sr Alessandro Volta, físico y pionero en los estudios de la electricidad. Gracias a su invento que consistía de dos discos metálicos separados por un conductor húmedo, pero unidos con un circuito exterior, logró producir corriente eléctrica continua que una vez cargado podía transmitir energía a otros objetos. Este sería el principio de la pila eléctrica inventada por él mismo en 1800. Su hallazgo sin duda alguna fue de suma importancia porque aquí ya estamos hablando de acumuladores de energía y fueron precisamente Willard Boyle y George Smith quienes dieron el segundo paso hacia la invención de la fotografía digital aprovechando el invento de Volta.

2. En 1969 mucho tiempo después en Bell Labs, Willard Boyle y George Smith crean un chip sensible a la luz que sería el principio de la fotografía digital. Diseñan la estructura básica del primer CCD. Aunque no estaba pensado precisamente como sensor de una cámara digital sino como un nuevo tipo de conductor de información entre computadores, y dispositivos electrónicos fue hasta 1975 cuando Steven Sasson dio el tercer paso hacía la fotografía digital incorporando dicho sensor a la cámara y que entre otras cosas fue el principio de la transmisión, del vídeo, del fax, de las copiadoras, escáneres de imagen y de la tecnología como es usada hoy en día.

3. Paralelamente al surgimiento del CCD y antes de empezar a hablar de Steven Sasson, aparece Samuel Morse, el inventor del código Morse que consistía en decodificar las señales eléctricas que ingresaba al CCD (dispositivo de carga acoplada) en un código binario basado en unos y ceros, y la combinación aleatoria de 1 y 0 (metadatos) representaba una información específica, lo que en términos fotográficos sería una tonalidad de color dentro de un pixel.

4. Steven Sasson incorpora el sensor CCD a la cámara y asociado con la empresa kodak, el 12 de Diciembre de 1975 presentan la primera cámara digital de la historia. Esta tenía el tamaño de una tostadora y una calidad equivalente a 0.01 megapixeles y además requería 23 segundos para ser procesada y otros 23 segundos para ser visualizada. En 1986 Kodak inventa el primer sensor de megapixeles del mundo con una capacidad de grabar 1.4 millones de pixeles que podían producir una impresión de calidad fotográfica de 5x7 pulgadas es decir unos 175 cm x 125 cm aproximadamente.

5. Masaru Ibuka y Akio Morita ya con su empresa Sony Corporation creada en 1946, en una de sus tantas búsquedas de nuevos horizontes ya que la empresa carecía de indumentaria, perfeccionaron el invento de Steven Sasson generando pequeños disquetes para guardar la información e inventan la cámara Mavica con lentes intercambiables, lo que hoy se conoce como la marca Sony en cuento a cámaras.

6. Ya con la cámara digital dentro del mercado, solo fue cuestión de unas cuantas décadas para que diversas marcas como la misma Sony, Canon, Nikon y demás, perfeccionaron las cámaras digitales hasta las últimas ediciones que conocemos hoy en día.

Porción de 3

a Regla de los Tercios es una de las reglas más básicas de composición fotográfica. Quien más y quien menos la ha oído mencionar alguna vez, aunque es posible que no tengas claro del todo lo que significa. En las siguientes líneas te explicamos en qué consiste la regla de los tercios, y cómo aplicarla para mejorar drásticamente tus composiciones fotográficas.

Componer una foto según esta norma consiste en dividir mentalmente la imagen en partes o zonas iguales. Imaginamos en el cuadro dos líneas equidistantes verticales y otras dos horizontales.

Con esto conseguiremos dividir la imagen en nueve rectángulos iguales y, lo que es más importante, tendremos cuatro puntos en los que las líneas coincidirán. Estos son los llamados Puntos Fuertes o Principales de la imagen.

La regla de los tercios se basa en algo demostrado: una composición en la que los elementos estén alejados del centro es más placentera para el ojo y parece más natural que una en la que el objeto o sujeto está colocado en el centro. La siguiente imagen produce una sensación poco equilibrada:

En cambio, la composición de una imagen similar resultará más armónica y ordenada si colocamos los elementos importantes en los puntos fuertes. Esto hace que el peso visual aumente y toda la fotografía esté más equilibrada. El resto de los elementos de la escena pueden ir en otros puntos principales, así:

Ahora, incluso sin conocer esta norma, la imagen se ve mejor, ¿verdad?

¿Cómo usar la regla de los tres tercios?

Cuando estemos ante una escena que queramos fotografiar, debemos imaginar las líneas que dividen el cuadro en tres por tres y cómo quedará lo que tenemos delante dividido en esas partes. Entonces debemos evaluar cuáles son los elementos más importantes que queremos incluir en la foto e intentar colocarlos lo más cerca posible de los puntos fuertes que ha formado la cuadrícula.

Las cámaras digitales y los móviles suelen tener una opción muy útil que dibuja líneas en la pantalla siguiendo la regla de los 3 tercios.

En la fotografía de paisajes se recomienda colocar el horizonte cerca de esas líneas divisorias horizontales. De este modo evitaremos la sensación de partir en dos la imagen al situar el horizonte justo en medio de la imagen. Si, además, situamos los elementos más significativos del paisaje cerca de las líneas verticales, obtendremos fotos equilibradas y elegantes.

En cuanto a los retratos, lo mejor es posicionar a la gente en uno de los lados del cuadro y dejar lo que llamamos Aire al otro lado. Esto está directamente relacionado con la Ley de la Mirada: si las personas están orientadas hacia uno de los lados, es en ese lado donde debe quedar más espacio, más aire.

La proporción Áurea

Leonardo Pisano, también conocido como Fibonacci, fue un famoso matemático italiano que difundió por Europa el sistema de numeración árabe (1, 2, 3...) con base decimal y con un valor nulo (el cero). Pero el gran descubrimiento de Fibonacci fue la Sucesión de Fibonacci que, posteriormente, dió lugar a la proporción áurea.

¿Qué es la Sucesión de Fibonacci? Se trata de una serie númerica: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, etc. Es una serie infinita en la que la suma de dos números consecutivos siempre da como resultado el siguiente número (1+1=2; 13+21=34). La relación que existe entre cada pareja de números consecutivos (es decir, si dividimos cada número entre su anterior) se aproxima al número áureo (1,618034) que se identifica con la letra Phi () del abecedario griego.

La Proporción Áurea Explicada con Imágenes

Bien, pues apliquemos todo esto al mundo visual. Creemos un rectángulo cuyos lados midan dos de los números de la serie de Fibonacci:

Y ahora vamos a dividirlo siguiendo la serie numérica:

Si dibujamos una línea que una todos estos pequeños recuadros, quedaría algo parecido a esto:

La espiral resultante (conocida como Espiral de Oro o Espiral Aurea) está permanentemente presente en la naturaleza: en las semillas de un girasol, en las conchas marinas... Componer una imagen siguiendo esta espiral nos resulta agradable visualmente porque las proporciones que se obtienen nos parecen naturales.

Es importante tener en cuenta que las fotografías no acostumbran a tener unas proporciones áureas (y si se trata de cámaras de medio formato, cuyos sensores suelen ser cuadrados, todavía menos) así que la espiral de Fibonacci debe ser sólo una guía que te ayude a componer y nunca una regla intocable que te cierre puertas creativas. También es cierto que muchas veces, componemos según la espiral de oro sin ser conscientes de ello, simplemente porque la composición que hemos creado nos ha parecido atractiva visualmente.